Nirvana (2008), Igor Voloshin, ¿Vanguardia invisible?




Creo que pasa a todos que pueden asistir una película sensacional, que cuando el film se acaba, directamente surge unas ganas enormes de poder compartir tus sensaciones con todas las personas que no pudieron verlo; mismo que nadie te pueda comprender lo que sientes por estas imágenes. En el último Berlinale, cuando se proyectó Nirvana, el debut del director ruso Igor Voloshin, me pasó esto. Inevitablemente, uno se pregunta, como una película tan impactante como esta, no encuentra espacio en las salas de cines más accesibles. Infelizmente, para el gran público, y para los amantes del cine arriesgado, esta joya contemporánea, aun no ha seducido ningún distribuidor. Desde luego, hay que tener mucho coraje para estrenar una cinta tan novedosa y vanguardista como esta. En Nirvana, están imágenes que no dejaría a ningún espectador indiferente.


Voloshin declaró que con este film pretendía “traer a la luz, el vacío espiritual de las grandes urbes”. Su forma estética es lo primero que llama atención, creando una atmosfera, que luego se denominó com cyber punk, y estaba para expresar la propuesta anímica de sus protagonistas. Sobre eso, Voloshin comenta que “cuanto más vacios interiormente están nuestros personajes, más extravagantes será su aspecto exterior”. Desde aquí hace falta cuestionar, ¿Qué significa el vacío espiritual ? La respuesta a esta pregunta está en las imágenes; al final, de esto se trata la película. Pero cuando la imagen se transforma en texto, se puede decir que Nirvana nació a partir de la sintomática insatisfacción occidental, que funciona por medio de suprimir aspectos reprimidos del carácter de esa sociedad.Nirvana trae las drogas, la moda excesiva, la música electrónica, como elementos de escape de una sociedad enferma.

La narración se basa en Alisa, una joven de Moscú, que desea cambiar de ambiente, pues no puede más con la vida en esta ciudad. “Pero, ¿adónde vas?”, le pregunta una amiga, como si no hubiera escapatoria. Anna decide ir a San Petersburgo. Sitio donde espera ser una buena enfermera, como dios manda. Lo que pasa es que Dios no estaba en San Petersburgo. Al efectivar el cambio de ciudad, alquila una habitación en un piso en ruina, que más parece un espacio descrito por Dostoyevsky. Su compañero de piso se auto denomina el Dead man, un junkie, con quien Anna no tardará mucho en enrollarse. El problema es que la novia del Dead man, Vel, vive en este mismo piso. Ella trabaja en un típico sitio de lo más underground, donde casi todo está permitido. Vel no tarda mucho en darse cuenta de lo que pasa entre Dead man y Alisa; y luego decide vengarse. Habla con uno de sus contactos hasta llegar a una especie de sicario, encargado de dar un sustillo en Alisa. Y lo hace.

A partir de allí, Vel pasa a abusar aun mas de las drogas, hasta que llega casi al punto de no retorno, pero Alisa, como buena enfermera la salva. La historia ahora da un giro, y empieza una buena amistad entre las dos chicas. El Dead man, cada vez más enganchado, esta debiendo dinero a sus camellos, y un día desaparece. Alisa y Vel no saben nada de él, hasta que que llega por correo un dedo suyo, y una deuda de 10,000 rublos. Ahora las dos amigas se dedican a conseguir el dinero, para evitar que el apodo de su chico sea un hecho. Vel vende su preciosa moto. Alisa habla con familiares. Cuando está cerca de juntar el bote, aparece Dead man otra vez, pero no tarda en marcharse robando el dinero que Vel consiguió vendiendo su moto.


Nirvana trabaja esencialmente 3 líneas formales de trabajo lingüístico (en lo que se refiere a lo narrativo). Sus ingredientes son: un triangulo amoroso, la drogadicción, el thriller gangster noir. Todo esto,sostenido por sus ambientes obscuros, y por la cámara inquieta, que está filmada en mano, en prácticamente todo el metraje. La fotografía vibrante, pero fría, está totalmente justificada frente a las necesidades expresivas de lo que propone la película; es decir, el cromatismo espacial (las paredes, los muebles, la calidad lumínica, etc.) debe de estar sincronizado con de la carencia de vida en la cual los personajes están inmersos. Se trabaja un contraste entre fondo figura, de modo que la falta de cromatismo en los elementos del espacio se ve compensada con la excesiva saturación y extravagancia del vestuario y maquillaje. El film ilustra múltiples formas del vestir y maquillar sus personajes. Cada secuencia a presenta una gran novedad de estos elementos, siempre muy expresiva y muy agradable de contemplar. Una gran gama de variedades artísticas, que se mantiene en un autentico estilo. La dirección artística y la fotografía se unen para generar la impresión de que dentro de la decadencia aun pulsa una vida; y a partir de allí en Nirvana surge una extraña belleza.

Quizás sea por su forma de retractar la ley de las calles: el punto universal que el film pretende tocar. Pero llama la atención, es el deseo de Alisa y Vel por insertar algo humano en sus vidas. Con humano, se quiere decir lo que está relacionado con las emociones y sentimientos. La película sugiere que, antes empezarla, las relaciones humanas entre estos personajes carecían de autenticas emociones; y que la fría distancia era una barrera para que ellos pudiesen expresasen con naturalidad. Progresivamente, contemplamos que Vel deja de ser la chica dura , para poco a poco ir abriendo sus sentimientos con Alisa; que por su parte, es la protagonista, y de esta forma, es la única que expresa en la mirada el deseo de cambiar, y la única que puede salvar a Vel. Aquí llegamos en un punto crucial de Nirvana. ¿Será posible alguno cambio? ¿De quien realmente depende esta humanización? ¿De los propios personajes, o del ambiente alrededor? La intenta frisar que es el espacio; o el ambiente habitado, el que condiciona los aspectos anímicos de cualquier persona sun olbidar aque al mismo tiempo son las mismas personas las que crean este espacio. Alisa no se salvará , ni en Moscú, y mucho menos en San Petersburgo, se filma estos espacios como casi inhabitables. Los personajes de Nirvana están atrapados en un ambiente sucio, donde las relaciones encuentran su escape en la traición. Todo parece ser un juego de apariencias, de dinero, y de locuras desenfrenadas. Tanto que Alisa, después de Dead man les traiciona, decide inyectarse heroína por primera vez; esto ya casi al final de la película, demostrando que la protagonista termina esa historia peor de lo que estaba cuando empezó.

Ahora bien, ¿ Por qué nos interesa una película sobre la decadencia humana? ¿ A quién puede interesar ese tipo de relato? Se trata un film que puede desencadenar sensaciones terribles en los espectadores más sensibles. Creo que Nirvana cumple su objetivo cuando logra ese tipo de reacción. Por parte del público, las reacciones fueron diversas: Hubo gente que salía en el medio de la proyección, mientras otros la ovacionaban al final, hubo casos de parálisis en la silla.


Su premiere mundial ha sido en la sección World fórum of new Cinema del festival de Berlín. Inexplicablemente, y sobre todo, injustamente, rindió poca repercusión el los medio de comunicación. El trabajo de la crítica cinematográfica, más allá de analizar obras para un público especifico, sirve también para dar a conocer obras que si no fueran por medios como la Film Conductor, estarían olvidadas. La crítica, o el análisis fílmico, sirven también para ayudar a consolidar las cinematografías emergentes De esta forma estamos aliados a los cineastas que poseen mas dificultades para distribuir sus películas. Es el caso de esta obra, proponemos reivindicar un film que seguirá siendo moderno por mucho tiempo. Cuando hablamos de cine contemporáneo, o de las nuevas vertientes cinematográficas, lamentablemente se suele olvidar obras clave para ese tipo de nombramiento, creemos que este film debería ser expuesto como un importante exponente dentro de lo que se llama cine contemporáneo. ¿A qué se debe la modernidad de Nirvana? Como se ha percibido hasta ahora en este articulo, no hemos citado ningún otro film para crear un paralelo con el análisis propuesto. Eso se debe pues, simplemente no hay ningún otro film parecido para crear una comparación. Hasta porque se trata del primer trabajo de este director. Nirvana es el típico caso de películas importantes que abren nuevos caminos de expresión, sobre todo en el sentido estético.

Su forma futurista de maquillaje y vestuario adaptada a un contexto temporal contemporáneo, por más delirante y incluso surreal que sea, en ningún momento nos parece incredulo; el espectador se impresiona delante las potentes imágenes, de forma que el delirio estético se impone como la única realidad posible para el mundo retratado, finalmente llegando al gozo de contemplar el estilo. Hacer una película parecida, seria copiarla, y aquí reside los meritos de este film: se trata de una película única. Autentica desde todos los aspectos cinematográficos. Nirvana está hecha desde si misma para si misma, y se encierra en un ciclo que reside únicamente en los 85 minutos de su duración. Cuando hablamos de sus ingredientes noir, por ejemplo, son de parámetros inherentes a cualquier obra cinematográfica, pero que en este caso resulta muy difícil indicar sus influencias, dado que el nuevo camina por sí mismo.


Esto nos a lleva la permanente reflexión, de que si la vanguardia viene determinada por el pasado, o si su forma novedosa es autentica desde sí misma. La cuestión lleva a la afirmación de que la vanguardia, es sobre todo un movimiento de ruptura. Su referencia con respecto al conjunto artístico pretérito, la condicionan solamente en aquel magico momento donde se produce el lapso novedoso. A partir de ahora, la obra vanguardista habita en el terreno autónomo, desatacado. Su singularidad está en la dificultad de exponer sus referencias o influencias. ¿ Desde donde ha venido eso? El crítico hay que trabajar años para descubrir. Seguramente la vanguardia viene condicionada, y sus claves interpretativas están escondidas en la nueva forma propuesta.
¿Desde donde ha venido Nirvana? ¿Su estética tiene algo del futurismo de Solaris, de Tarkowsky? ¿El comentado maquillaje viene del Eyes wide shut, de Kubrick? No me atrevería a afirmarlo. Nada más de que hace falta que este film sea visto por más personas, con el fin de situarlo, y ponerlo en el sitio destacado donde a nuestros ojos, merece estar.

Albert y Danielle





Esta noche pasó algo curioso entre la pareja Albert y Danielle, ambos de Barcelona. Antes de que su rutina hubiera sido rota, no habían podido terminar de ver cualquier film sin que el visionado de este fuera interrumpido por un intenso maratón sexual, de tal calibre que ningún subtitulo sería capaz de describirlo.

En una noche peculiar decidieron por quedar en la casa de Albert, una vez más con la escusa de ´mirar una peli´. El hogar está localizado en la sugestiva calle Verdi, sitio más que conocido por los cinéfilos enamorados. Peculiar porque decidieron por Les amants du pont Neuf, y no solo porque Leos Carax es un director de otra esfera, sino más bien porque esta noche sus manos permanecieron quietas y sus labios distantes uno del otro. Sus cuerpos seguían calientes, y esto más por el calor del verano de que por el atrito entre si. Sus ojos enfocaban al mismo punto, pero no era el detalle de sus pieles y tampoco en los contornos de sus bocas: en esta noche Juliette Binoche era todo que había entre ellos.

Era el fin del cine como escusa para el amor, de hecho estaban demasiados entregues a este film, era como si fuera la primera vez. Mientras subían los créditos, fumaron un tabaco y compartieron la sensación ofrecida: el entusiasmo por Dennis Levant y su admirable actuación!

Un poco más de vino y entonces se cruzan sus miradas y el silencio les pregunta - ¿qué hacemos ahora? - Sus ojos se miran fijamente por unos instantes más, hasta que el hielo del momento se rompe por la eufórica risa. Estaban contentos por seguir llegando juntos hasta el final.

Danielle propone mirar una más, pero Albert la responde que no pretende contaminar su mirada con otra cosa que, no sea la luz reflejada por sus bellas curvas. Entre una dulce risa de cómo quien se avergüenza y le gusta, Danielle se esconde por detrás de una servilleta rota que destapa su ojo solamente. Albert se sorprende, pensaba que acababa de presentarla a Leos Carax. Le sorprende que ella nunca le había antes comentado sus admiraciones por el director de Mauvais Sang.
´Ella tiene sus secretos, mola´ pensó Albert. De espaldas a él, Danielle contemplaba por la ventana la inmensa cola que cruzaba la calle. Era viernes y a Albert le interesaba que la sala estuviera oscura. Todo indicaba que Danielle quería lo mismo que el. Y así fue.

Un sexo descomunal ocurrió en el suelo de la cocina. Igual a los que mueven las lámparas de los vecinos, y hasta un espectador de ´ El Cant dels Ocells´ que luego abajo de ellos se recién estrenaba, llegó a escuchar lejanos suspiros sin dar mucha importancia, pues su película apenas empezaba.

Para esta pareja enamorada, hoy ha sido un día de descubrimientos, aunque se darán cuenta de ello cuenta por las películas que aun no vieron. Al desnudo permanecerán en su ritual de mirarlas, dejando su sexo para el antes y después de la contemplación: el inicio de una nueva era para el sexo de sus vidas ya que lo que ocurre durante puede ser tan inspirador.




El truco del Manco
















“El truco del manco”, el debut en largo-metrajes del director Santiago Zannou (nominado a los goya en 2004 con el corto “cara sucia”), es un buceo en ciertas zonas de Barcelona que no sonará a nadie acostumbrado a pasear por el Born, o ir de compras en el Paseo de Gracia. Por eso mismo, es una película esencial para entender, o profundizarse en la comprensión del espacio total que nos rodea; al mismo tiempo que “El truco del manco” surge para desmitificar una ciudad que se vendió al mundo como tierra de la felicidad. Retrata la dura realidad de los barrios menos favorecidos, para no decir olvidados. Trae a la luz una historia muy humana, el universo de la calle, de forma muy común a otras grandes ciudades. Estamos hablando de Barcelona, pero también de una historia que podría pasarse en muchos otros sitios. Estamos hablando de una película realista que no tiene nada de documental, aunque esa reflexión tan antigua, como de moda hoy en día, no sería difícil de surgir.

Zannou se ha inspirado en un personaje real, “El Langui”, líder del grupo de rap madrileño “La excepción” para nos contar la historia del Cuajo, un tipo a que no le falta actitud en su vida, aunque le afecte una parálisis que le limita sus movimientos corporales. Pero a pesar de este problema, “El Cuajo” se mueve más que mucha gente, y cuando le entra por la cabeza el sueño de tener su proprio estudio de grabación, no será su deficiencia física quien le dirá que no. Las barreras que encuentra afuera de si suelen ser mucho más problemáticas, ya que estamos hablando de cómo conseguir la pasta por el submundo comercial, o en que personas confiar. Los personajes están inmersos en un ambiente de intenso tráfico de drogas, de mercancías; de todo. Familias desestructuradas, donde uno es traicionado por el hermano mientras otro pelea con el padre borracho.

La película trabaja esa saga del Cuajo por conseguir el estudio, junto a su amigo Adolfo, y se desarrolla de modo que a cada secuencia lo tienen más difícil. Cuando por un lado logran 2 pasos, por otro les devuelven 1, y así sigue hasta conseguirlo, pero… (ya he contado demasiado)
A través de un realismo sorprendente por su vibración, frescura y intensidad; extraídas de actores también debutantes, “ El truco del manco” nos da la impresión que salió directamente de la experiencia de quien la creó. Cuando decimos realidad, no solo nos referimos a las dificultades de ganarse la vida, inherentes a cualquier uno, pero también, y sobre todo, hablamos de las delicadas relaciones humanas; que en los suburbios de esta ciudad funcionan de modo que tu palabra y tu actitud son los que garanten tu supervivencia, de forma que la película propone tocar los sensibles temas de la lealtad y traición.
La actitud de Santiago Zannou es la de directores que dicen “necesitaba sacar eso de mi”, pero que en su caso no es de los típicos delirios subjetivos, si no el de la humildad de quien sabe algo sobre una realidad, la urbana. Es el caso de quien solo la vive puede contar. Yo creo que es una película comprometida, y que alguien debería sacarla. Personajes- espejo de muchos otros seres reales fuera del cine, y que deben venir a la luz. Explotando en la retina seguindo el ejemplo del hit “La haine” de Mathieu kassovitz, y que para la fortuna del cine español (y catalán), Zannou sacó de si esta historia, como quien nos dá un regalo (más bien un puñetazo) hecho para que nos aproximemos aun más de la realidad común, que a cada día toca a nuestra puerta, y para que los sordos escuchen el timbre.

IFFR 38th International Rotterdam Film Festival



El festival de Rotterdam , a parte de ser un palco estimulante para las cinematografías emergentes, es un evento que, al contrario de los otros grandes festivales, esos que dedican la mitad de su tiempo mediático a la decadente actividad de culto a las celebridades; en Rotterdam no hay ni si quiera una alfombra roja! Aqui no se ve actores de falsa sonrisa, no se escuchan comentarios sobre sus vestidos. En Rotterdam más bien, es el más oscuro de los festivales, quizás el que mejor expresa las contradicciones del cine, entre la arte y industria.

“ Hace más de 30 años Wim Wenders se ha hecho conocido en este cine”- me decía un colega local, mientras aguardábamos para la próxima sección en una sala del cine Venster, cerca del centro de Rotterdam. Este año el festival viene con algunos cambios a respecto de su formato, pero esencialmente mantiene su propuesta de siempre: la de servir como base para nuevos directores, no solamente estrenando muchos de ellos en sus pantallas, pero también, actuando como plataforma estimulante de nuevas producciones; en el espacio CineMart (y atraves del fondo Humert Bals), donde los distribuidores, productores y muchos otros profesionales se reúnen para cerrar acuerdos de nuevas producciones, estrenos etc.

Sobre sus aspectos selectivos de esta 38th edición, en las distintas secciones Bright Future, Spectrum o Tiger Awards , vemos el esfuerzo del festival por seleccionar las obras que tuvieran más destaque en los otros grandes festivales de 2008, films como Frozen River, Inland, Machan, Pandora Box que fueron bien reconocidos en Berlin, Cannes, Veneza, Sundance o Toronto. Al mismo tiempo que la premiación principal intenta lanzar nuevos directores emeregentes en la industria. Be Calm and Count to Seven del iraní Ramtin Lavafipour e Breathless, del sur coreano Yang Ik-June en son un buen ejemplo de las propuestas de este festival; que este ano ha promovido con bastante relevancia el nuevo cine turco, que tambien tuvo una presencia marcante, principalmente con el film Wrong Rosary de Mahmut Fazil Coskun y Autum de Ozcan Alper.

El proprio director del Festival Rutger Wolfson anuncia que, lo importante en Rotterdam no es su capacidad de selección, es dicir, cuantas world premiere (este año hubo 43 en las distintas secciones) están en concurso, pero si que el festival funcione como una fiel expresión del cine contemporáneo al mismo tiempo que intenta matizar sus bases para el futuro. Al mismo tiempo tambien que Rotterdam ambiciona hacer de si, un mercado alternativo al de Berlín o Cannes. La presencia de reconocidas empresas art house de distribución como la Wild Bunch o The Match Factory, entre muchas otras que toman Rotterdam cada vez mas en serio, es una señal de que lo que se presenta aquí influirá en las perspectivas del mercado europeo de distribución.

Cuanto a la calidad de las películas, como en todos los festivales, hay de todo. Había una gran diversidad de films, pero muy notable la presencia asiática, sea de China, Japón , Corea del Sur, Taiwan, Filipinas etc. Para mi gusto, un tanto excesiva, pues ni siempre eso significa que por estar seleccionado en un festival como este, es ya por ello una buena obra; y lo mismo vale por si sale de allí premiada. Es decir, hay una ola initerrupta del cine asiático que quizás, que vale más por su gran numero de producciones, que por la calidad cinematográfica contenida en si misma.

El cine oriental está cada vez occidentalizado, donde hay muchos personajes hablando en ingles con tanta naturalidad, que nos sugiere una “rara” impresión de que esa película quiere ser vendida en USA, y nada más. Es que cuando hablamos “ de la fiel expresión del cine contemporáneo” se incluyen tambien sus problemas y no solo la belleza, como se puede quedar sub entendido con este tipo de nombramiento. Y si es para nominar, en el cine contemporáneo existe también los independientes de los independientes.

En ese sentido algunas películas de nuestra cobertura en Rotterdam se basa en los casos del cine al margen de la independencia, o sea , de directores que no tienen pretensión financiera con sus trabajos. Pues lo que hemos aprendido en el contacto con estos directores es que cuanto menos dinero haya en su producción, más libres y comprometidos serán los films realizados. Con esto, quiero dejar especial mención al film Melancholia del director Lav Diaz, un monumento de 8 horas de duraccion, que indaga si la felicidad contemporánea es un concepto.

Otro film que hemos elegido para analise, y que también circulaba por las salas más oscuras de Rotterdam fue Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker. Un documental biográfico sobre el director de fotografía ruso Giorgi Rerberg, que nos cuenta sobre el controvertido rodaje de Stalker.

Estas dos y otras más, son la obras que hacen parte nuestra cobertura en el festival. En medio a una oferta tan abundante de proyecciones, como siempre hemos elegido las obras más arriesgadas, buscando las luces del cine más fiel a si mismo, el cine que no se vende. Los que no necesitan pasar antes por la alfombra roja para auto afirmarse.

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Melancholia. Lav Diaz

Existen películas y directores, hechas(os) en nombre de la libertad creativa y individual, que ignoran cualquier compromiso comercial que impere sobre el riesgo de su propuesta. En el primer día del festival se proyectó el film "Melancholia", realizado por el director filipino Lav Diaz, una pieza de 8 horas de duración que ya había sido premiado en la 65th mostra de Venecia, en la sección orizonti, y que en Rotterdam está seleccionado en la sección spectrum.

Es necesario un esfuerzo al analizar esta obra, para no caer en convencionalismos en el intento de clasificarla, pues al nominar en film como este, encuadrándole en un genero por ejemplo, seria el primer paso para tornarle más comercial. La palabra independiente ya es un síntoma de este tipo. Cuando hablamos de un cine hecho de forma libre, no es solo decir libre de lo comercial, pues seria más bien, libre de lo convencional, donde el único compromiso real es el del autor con su obra; del autor con el cine, y to lo que eso lleva implicado.

Estamos hablando de una película que podría ser muchas. Sus actores adoptan más de un personajes, entran y salen de la narración, viviendo en metamorfosis en otros caracteres, que se constituyen en una historia coral (al menos 3 líneas de narración son inseridas progresivamente, que mantienen lazos narrativos cada vez mas abstractos en la mediad que el tiempo transcurre). El momento crucial del film sería un dialogo consigo mismo que uno de los personajes (Renato) hace, mientras esta en floresta filipina luchando por la revolución de su país : "Porque hay tanta tristeza en este mundo? La felicidad es apenas un concepto? La vida del hombre es solamente un proceso para superar su dolor?”

En lo general, el film posee muy pocos diálogos, y ellos inseridos en acciones sencillas; como una persona buscando a otra por llamadas telefónicas (Julián a Alberta), o una monja que va por la calle pidiendo caridad ($$). El film se presenta sobre innumerables planos estáticos que al final se tornan secuencias estáticas. La estructura es: Un plano=Una acción interna=Una secuencia. Corte. Otro plano=Otra secuencia. Raramente el plano corta en la misma acción para resaltar una idea, o ver algún detalle, el concepto seria que exclusivamente a través de la larga duración del plano secuencia; el tiempo es suficiente para entender todos los detalles. De esta forma, cuanto más el tiempo se dilata, más la narración se abstrae, y como en que en un sueño los personajes van cambiando de cara, creando en el espectador una experiencia multi facial. Este dialogo que lo he citado, lo que seria el leitmotiv del film, ha sido dicho en la hora 7, después de un largo trayecto de los personajes metamórficos.. La estructura formal también mencionada, quedó bastante familiar después de las 8 horas, algo que me resultó en una gran dificultad al visionar otra película después de esta.

Una de las constataciones cinematográficas que "Melancholia" puede generar, es que se trata de un film absolutamente riguroso y conceptual, dado que el estricto estatismo formal vs movimiento interno, se mantiene fiel del primer minuto hasta al final de las 8 horas. Cual seria entonces el concepto del riguroso encuadre estático de la cámara de Lav Diaz? Son muchas las posibles respuestas para esta pregunta teórica; quizás demasiada personal para que un director se nos cuente, tanto que cuando entrevistamos a Lav Diaz, y le preguntamos sobre que el considera entonces un movimiento de cámara, su respuesta a sido a la no teoría de su cine; y que la libertad debe predominar por encima de cualquier concepto cerrado. Si Lav Diaz se pregunta si la felicidad es un concepto, lo hace seguro que la libertad que tiene para preguntarse, no lo es.


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Machan. Uberto Pasolini

Hace diez anos el productor Uberto Pasolini fue a Sídney para negociar con el actor neozelandés Anthony Mcarten para participar del film The full Monty. Cuando estaba allí, abrió el periódico con la noticia de que 23 miembros de la Federación Nacional de hándbol de Sri Lanka habían desaparecido de una competición internacional en Alemania, y que al mismo tiempo , se anunciaba que en Sri Lanka no existía ninguna federación de este tipo.

Uberto Pasolini decidió entonces producir y dirigir un film contando la historia de este grupo que dio un golpe magistral en el servicio de inmigración alemán.. La historia narra la saga de Stanley, un vendedor de frutas endeudado, que intenta una y otra vez conseguir un visado, pero siempre sin suceso. Cuando le aparece delante un anuncio del torneo internacional en Alemania y le surge la idea de crear el equipo, sus amigos le dicen que está loco, pero poco a poco Stanley les alimenta con su ambición (un tanto delirante) por prosperar en tierras europeas. La ambición es tamaña que sólo después de un largo tiempo, ellos se dan cuenta que no saben nada al respecto del hándbol. Y que a la vez son ellos el primer equipo nacional de Sri Lanka.

Por ello, este film representa un relato cómico sobre el drama de la imigracion, donde sus personajes encarnan una ciega disposición de la prosperidad a cualquier costo . Pero con un refinado sentido de humor, proveniente de los chistes más típicos y espontáneos de los habitantes locales, cuya la actitud despreocupada dan al film una atmosfera de frescor y alegría, haciéndonos olvidar a traves de la risa que el tema retratado, es en realidad, una gran tragedia contemporanea. Los personajes se ríen de si mismos y de su drama, su forma cómica de inmigrar es un motivo más para reírse que preocupase; en la situación donde no hay nadaque perder, y un mundo por ganar. Y lo que pasa después del torneo, ya es otra historia.


Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker. Igor Mayboroda

Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker traza la biografía se Giogi Rerberg, el importante director de fotografía soviético, el hombre que iluminó El Espejo. El film navega por una serie de depoimentos que pretenden esclarecer los hechos controvertidos del rodaje de Stalker, y definir la influencia de Rerberg en la modernidad del cine soviético.

Si Stalker fue la premonición para el desastre de Chernobil, la ruptura de Rerberg y Tarkovsky durante el rodaje de este film, ha sido la premonición del colapso de la URSS. Mayboroda llega a decir que en Stalker, Trakovsky se portó como Stalin, y que su supuesta actitud autoritaria ha sido el responsable por la desastrosa relación humana que han vivdo los miembros del equipo de rodaje, hecho que llevó varios a la calle, entre ellos Giorgi Rerberg.

Esta situación traumatizó la vida de Reberg para siempre; emocionalmente y profesionalmente, pues el quería mucho hacer este film, al mismo tiempo que creía que Tarkovsky no estaba preparado para rodarlo. Se lo decía, y constantemente le pedía cambios en el guión. Cosa que debía molestar mucho a Tarkovsky, obviamente. Pero el caso es que el Rerberg fue un hombre de carácter muy fuerte, un incorregible; como le definen alguno de sus colegas.

Llega en algunos momentos a hablar mal de su trabajo en Stalker, criticando la textura final del negro, y la falta de un lavado adecuado de la película recién expuesta. Pero la fotografía de Stalker ha sido una de las más admiradas, y ha colaborado para generar la expresión El estilo Rerberg de iluminar. Y aunque que Tarkovsky haya rodado al menos 3 versiones del film, utilizando más de 5000 metros de película, la gran parte del montaje final es la que ha fotografiado Rerberg, como afirman muchos miembros del rodaje.

Ha sido “mas intelectual de lo que requiere su profesión” según Andrei Konchalovsky, otro de los grandes soviéticos con quien Rerberg ha trabajado. El film indaga si en la escuela soviética era necesario que la relación entre directores y fotógrafos transcienda el profesional, comparando el relacionamento de por ejemplo Federico Fellini y Otello Martelli con el caso soviético en cuestión.

Aunque el final de la historia entre Rerberg y Tarkovsky sea negativo para los dos, obviamente existe entre ellos un respeto mutuo. El film ratifica que el comportamiento de Tarkovsky en el rodaje de Stalker ha sido un caso inusual de su carácter, y que en general el era en tipo abierto en el momento de aceptar nuevas ideas. Pero quizás la relación que cada uno tenía con Stalker ha sido tan especial, que no se podían permitir que sus ideas sean superadas, causando así un choque ideológico brutal de personalidades igual de fuertes; que en medio de la controversia ya la catástrofe crearon una obra fundamental para la modernidad del cine soviético.