IFFR 38th International Rotterdam Film Festival



El festival de Rotterdam , a parte de ser un palco estimulante para las cinematografías emergentes, es un evento que, al contrario de los otros grandes festivales, esos que dedican la mitad de su tiempo mediático a la decadente actividad de culto a las celebridades; en Rotterdam no hay ni si quiera una alfombra roja! Aqui no se ve actores de falsa sonrisa, no se escuchan comentarios sobre sus vestidos. En Rotterdam más bien, es el más oscuro de los festivales, quizás el que mejor expresa las contradicciones del cine, entre la arte y industria.

“ Hace más de 30 años Wim Wenders se ha hecho conocido en este cine”- me decía un colega local, mientras aguardábamos para la próxima sección en una sala del cine Venster, cerca del centro de Rotterdam. Este año el festival viene con algunos cambios a respecto de su formato, pero esencialmente mantiene su propuesta de siempre: la de servir como base para nuevos directores, no solamente estrenando muchos de ellos en sus pantallas, pero también, actuando como plataforma estimulante de nuevas producciones; en el espacio CineMart (y atraves del fondo Humert Bals), donde los distribuidores, productores y muchos otros profesionales se reúnen para cerrar acuerdos de nuevas producciones, estrenos etc.

Sobre sus aspectos selectivos de esta 38th edición, en las distintas secciones Bright Future, Spectrum o Tiger Awards , vemos el esfuerzo del festival por seleccionar las obras que tuvieran más destaque en los otros grandes festivales de 2008, films como Frozen River, Inland, Machan, Pandora Box que fueron bien reconocidos en Berlin, Cannes, Veneza, Sundance o Toronto. Al mismo tiempo que la premiación principal intenta lanzar nuevos directores emeregentes en la industria. Be Calm and Count to Seven del iraní Ramtin Lavafipour e Breathless, del sur coreano Yang Ik-June en son un buen ejemplo de las propuestas de este festival; que este ano ha promovido con bastante relevancia el nuevo cine turco, que tambien tuvo una presencia marcante, principalmente con el film Wrong Rosary de Mahmut Fazil Coskun y Autum de Ozcan Alper.

El proprio director del Festival Rutger Wolfson anuncia que, lo importante en Rotterdam no es su capacidad de selección, es dicir, cuantas world premiere (este año hubo 43 en las distintas secciones) están en concurso, pero si que el festival funcione como una fiel expresión del cine contemporáneo al mismo tiempo que intenta matizar sus bases para el futuro. Al mismo tiempo tambien que Rotterdam ambiciona hacer de si, un mercado alternativo al de Berlín o Cannes. La presencia de reconocidas empresas art house de distribución como la Wild Bunch o The Match Factory, entre muchas otras que toman Rotterdam cada vez mas en serio, es una señal de que lo que se presenta aquí influirá en las perspectivas del mercado europeo de distribución.

Cuanto a la calidad de las películas, como en todos los festivales, hay de todo. Había una gran diversidad de films, pero muy notable la presencia asiática, sea de China, Japón , Corea del Sur, Taiwan, Filipinas etc. Para mi gusto, un tanto excesiva, pues ni siempre eso significa que por estar seleccionado en un festival como este, es ya por ello una buena obra; y lo mismo vale por si sale de allí premiada. Es decir, hay una ola initerrupta del cine asiático que quizás, que vale más por su gran numero de producciones, que por la calidad cinematográfica contenida en si misma.

El cine oriental está cada vez occidentalizado, donde hay muchos personajes hablando en ingles con tanta naturalidad, que nos sugiere una “rara” impresión de que esa película quiere ser vendida en USA, y nada más. Es que cuando hablamos “ de la fiel expresión del cine contemporáneo” se incluyen tambien sus problemas y no solo la belleza, como se puede quedar sub entendido con este tipo de nombramiento. Y si es para nominar, en el cine contemporáneo existe también los independientes de los independientes.

En ese sentido algunas películas de nuestra cobertura en Rotterdam se basa en los casos del cine al margen de la independencia, o sea , de directores que no tienen pretensión financiera con sus trabajos. Pues lo que hemos aprendido en el contacto con estos directores es que cuanto menos dinero haya en su producción, más libres y comprometidos serán los films realizados. Con esto, quiero dejar especial mención al film Melancholia del director Lav Diaz, un monumento de 8 horas de duraccion, que indaga si la felicidad contemporánea es un concepto.

Otro film que hemos elegido para analise, y que también circulaba por las salas más oscuras de Rotterdam fue Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker. Un documental biográfico sobre el director de fotografía ruso Giorgi Rerberg, que nos cuenta sobre el controvertido rodaje de Stalker.

Estas dos y otras más, son la obras que hacen parte nuestra cobertura en el festival. En medio a una oferta tan abundante de proyecciones, como siempre hemos elegido las obras más arriesgadas, buscando las luces del cine más fiel a si mismo, el cine que no se vende. Los que no necesitan pasar antes por la alfombra roja para auto afirmarse.

---


Melancholia. Lav Diaz

Existen películas y directores, hechas(os) en nombre de la libertad creativa y individual, que ignoran cualquier compromiso comercial que impere sobre el riesgo de su propuesta. En el primer día del festival se proyectó el film "Melancholia", realizado por el director filipino Lav Diaz, una pieza de 8 horas de duración que ya había sido premiado en la 65th mostra de Venecia, en la sección orizonti, y que en Rotterdam está seleccionado en la sección spectrum.

Es necesario un esfuerzo al analizar esta obra, para no caer en convencionalismos en el intento de clasificarla, pues al nominar en film como este, encuadrándole en un genero por ejemplo, seria el primer paso para tornarle más comercial. La palabra independiente ya es un síntoma de este tipo. Cuando hablamos de un cine hecho de forma libre, no es solo decir libre de lo comercial, pues seria más bien, libre de lo convencional, donde el único compromiso real es el del autor con su obra; del autor con el cine, y to lo que eso lleva implicado.

Estamos hablando de una película que podría ser muchas. Sus actores adoptan más de un personajes, entran y salen de la narración, viviendo en metamorfosis en otros caracteres, que se constituyen en una historia coral (al menos 3 líneas de narración son inseridas progresivamente, que mantienen lazos narrativos cada vez mas abstractos en la mediad que el tiempo transcurre). El momento crucial del film sería un dialogo consigo mismo que uno de los personajes (Renato) hace, mientras esta en floresta filipina luchando por la revolución de su país : "Porque hay tanta tristeza en este mundo? La felicidad es apenas un concepto? La vida del hombre es solamente un proceso para superar su dolor?”

En lo general, el film posee muy pocos diálogos, y ellos inseridos en acciones sencillas; como una persona buscando a otra por llamadas telefónicas (Julián a Alberta), o una monja que va por la calle pidiendo caridad ($$). El film se presenta sobre innumerables planos estáticos que al final se tornan secuencias estáticas. La estructura es: Un plano=Una acción interna=Una secuencia. Corte. Otro plano=Otra secuencia. Raramente el plano corta en la misma acción para resaltar una idea, o ver algún detalle, el concepto seria que exclusivamente a través de la larga duración del plano secuencia; el tiempo es suficiente para entender todos los detalles. De esta forma, cuanto más el tiempo se dilata, más la narración se abstrae, y como en que en un sueño los personajes van cambiando de cara, creando en el espectador una experiencia multi facial. Este dialogo que lo he citado, lo que seria el leitmotiv del film, ha sido dicho en la hora 7, después de un largo trayecto de los personajes metamórficos.. La estructura formal también mencionada, quedó bastante familiar después de las 8 horas, algo que me resultó en una gran dificultad al visionar otra película después de esta.

Una de las constataciones cinematográficas que "Melancholia" puede generar, es que se trata de un film absolutamente riguroso y conceptual, dado que el estricto estatismo formal vs movimiento interno, se mantiene fiel del primer minuto hasta al final de las 8 horas. Cual seria entonces el concepto del riguroso encuadre estático de la cámara de Lav Diaz? Son muchas las posibles respuestas para esta pregunta teórica; quizás demasiada personal para que un director se nos cuente, tanto que cuando entrevistamos a Lav Diaz, y le preguntamos sobre que el considera entonces un movimiento de cámara, su respuesta a sido a la no teoría de su cine; y que la libertad debe predominar por encima de cualquier concepto cerrado. Si Lav Diaz se pregunta si la felicidad es un concepto, lo hace seguro que la libertad que tiene para preguntarse, no lo es.






Machan. Uberto Pasolini

Hace diez anos el productor Uberto Pasolini fue a Sídney para negociar con el actor neozelandés Anthony Mcarten para participar del film The full Monty. Cuando estaba allí, abrió el periódico con la noticia de que 23 miembros de la Federación Nacional de hándbol de Sri Lanka habían desaparecido de una competición internacional en Alemania, y que al mismo tiempo , se anunciaba que en Sri Lanka no existía ninguna federación de este tipo.

Uberto Pasolini decidió entonces producir y dirigir un film contando la historia de este grupo que dio un golpe magistral en el servicio de inmigración alemán.. La historia narra la saga de Stanley, un vendedor de frutas endeudado, que intenta una y otra vez conseguir un visado, pero siempre sin suceso. Cuando le aparece delante un anuncio del torneo internacional en Alemania y le surge la idea de crear el equipo, sus amigos le dicen que está loco, pero poco a poco Stanley les alimenta con su ambición (un tanto delirante) por prosperar en tierras europeas. La ambición es tamaña que sólo después de un largo tiempo, ellos se dan cuenta que no saben nada al respecto del hándbol. Y que a la vez son ellos el primer equipo nacional de Sri Lanka.

Por ello, este film representa un relato cómico sobre el drama de la imigracion, donde sus personajes encarnan una ciega disposición de la prosperidad a cualquier costo . Pero con un refinado sentido de humor, proveniente de los chistes más típicos y espontáneos de los habitantes locales, cuya la actitud despreocupada dan al film una atmosfera de frescor y alegría, haciéndonos olvidar a traves de la risa que el tema retratado, es en realidad, una gran tragedia contemporanea. Los personajes se ríen de si mismos y de su drama, su forma cómica de inmigrar es un motivo más para reírse que preocupase; en la situación donde no hay nadaque perder, y un mundo por ganar. Y lo que pasa después del torneo, ya es otra historia.


Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker. Igor Mayboroda

Rerberg y Tarkovsky. El otro lado de Stalker traza la biografía se Giogi Rerberg, el importante director de fotografía soviético, el hombre que iluminó El Espejo. El film navega por una serie de depoimentos que pretenden esclarecer los hechos controvertidos del rodaje de Stalker, y definir la influencia de Rerberg en la modernidad del cine soviético.

Si Stalker fue la premonición para el desastre de Chernobil, la ruptura de Rerberg y Tarkovsky durante el rodaje de este film, ha sido la premonición del colapso de la URSS. Mayboroda llega a decir que en Stalker, Trakovsky se portó como Stalin, y que su supuesta actitud autoritaria ha sido el responsable por la desastrosa relación humana que han vivdo los miembros del equipo de rodaje, hecho que llevó varios a la calle, entre ellos Giorgi Rerberg.

Esta situación traumatizó la vida de Reberg para siempre; emocionalmente y profesionalmente, pues el quería mucho hacer este film, al mismo tiempo que creía que Tarkovsky no estaba preparado para rodarlo. Se lo decía, y constantemente le pedía cambios en el guión. Cosa que debía molestar mucho a Tarkovsky, obviamente. Pero el caso es que el Rerberg fue un hombre de carácter muy fuerte, un incorregible; como le definen alguno de sus colegas.

Llega en algunos momentos a hablar mal de su trabajo en Stalker, criticando la textura final del negro, y la falta de un lavado adecuado de la película recién expuesta. Pero la fotografía de Stalker ha sido una de las más admiradas, y ha colaborado para generar la expresión El estilo Rerberg de iluminar. Y aunque que Tarkovsky haya rodado al menos 3 versiones del film, utilizando más de 5000 metros de película, la gran parte del montaje final es la que ha fotografiado Rerberg, como afirman muchos miembros del rodaje.

Ha sido “mas intelectual de lo que requiere su profesión” según Andrei Konchalovsky, otro de los grandes soviéticos con quien Rerberg ha trabajado. El film indaga si en la escuela soviética era necesario que la relación entre directores y fotógrafos transcienda el profesional, comparando el relacionamento de por ejemplo Federico Fellini y Otello Martelli con el caso soviético en cuestión.

Aunque el final de la historia entre Rerberg y Tarkovsky sea negativo para los dos, obviamente existe entre ellos un respeto mutuo. El film ratifica que el comportamiento de Tarkovsky en el rodaje de Stalker ha sido un caso inusual de su carácter, y que en general el era en tipo abierto en el momento de aceptar nuevas ideas. Pero quizás la relación que cada uno tenía con Stalker ha sido tan especial, que no se podían permitir que sus ideas sean superadas, causando así un choque ideológico brutal de personalidades igual de fuertes; que en medio de la controversia ya la catástrofe crearon una obra fundamental para la modernidad del cine soviético.


No hay comentarios: